홍경한(미술평론가) 아트페어는 미술이라는 고품질 콘텐츠를 거래하는 거대한 상업 플랫폼이다. 한국 아트페어의 규모는 압도적이다. 15년 정도 전에는 30개 정도에 불과했지만 2021년에는 80개 정도로 급증해 현재는 100개를 넘어섰다. 비엔날레와 트리엔날레가 20여 개 정도 있는 것 외에 매년 이렇게 많은 아트페어가 열리는 나라는 없다.
아트페어는 왜 이렇게 많은 걸까요? 이는 문화예술에 대한 정부와 지자체의 정책적 관심이 강화되었기 때문일까, 아니면 경제성장에 따른 대중의 미술품 구매력이 높아졌기 때문일까? 그럴 수도 있습니다. 아트페어의 과잉 현상은 어느 하나로 설명될 수 없다. 각 요소가 서로 연결되어 있을 뿐만 아니라 미술품 컬렉션을 투자의 대안적 개념으로 보는 시대적 흐름도 큰 요인이다. 하지만 가장 가까운 대답은 ‘작품이 팔릴 가능성’이다. 고객 유치 효과와 작품 판매 가능성 모두에서 개인전이나 개별 갤러리 전시보다 단체 전시가 더 좋다. 지역에서 열리는 소규모 아트페어와 개인, 공공기관, 기업이 주도하는 박람회도 같은 맥락에서 등장했다. 아트페어가 늘어나면서 제작자인 예술가들의 참여도 눈에 띄게 늘어났다. 그러나 아트페어가 반드시 예술가에게 금전적인 도움을 제공하는 것은 아니다. 본인의 자금으로 아트페어에 참가하시는 경우, 판매 부진으로 인한 손실은 전적으로 본인 책임입니다. 귀엽고 사랑스러운 동물, 예쁜 꽃, 기타 장식적인 그림이나 부적 등 예술 작품일 수도 있지만, 작가는 제작은커녕 그 작품에 대한 배송비조차 징수하지 못하는 일이 흔하다. 판매로 인한 이익. 매매자의 적자, 평판, 독창성, 적정 가격대, 취향, 트렌드 등을 종합적으로 반영하기 때문이다. 아트페어는 진로 측면에서 매우 의미가 있다고 말하기는 어렵다. 아트페어에 자주 출품하는 작가일수록 ‘공정한 예술가’라는 꼬리표가 붙기 때문이다. 공정한 작가는 ‘상업 작가’와 동의어이며, 꼬리표는 수준의 또 다른 말이다. 또한, 정부와 지자체의 예술가 지원 제도의 핵심은 상업 활동과 거리를 두는 예술가들의 창의성의 연속성에 있다. 미술계 내에서도 ‘화폐’로 대체되는 수단으로서의 미술과 ‘의견의 사회적 표현’으로서의 미술을 구분하고 있습니다. 이러한 현상은 미슬시장 육성정책에 비례하여 더욱 확고해진다. 아티스트의 경력에서 비중이 적은 또 다른 것은 콘테스트입니다. 발전의 관문 역할을 하지만 가치가 부여되지는 않습니다. 솔직히 말해서 어떤 공모전에서 어떤 상을 받아도 높이 평가하는 전문가는 많지 않습니다. 현실은 이들 중 일부가 심각한 비리 이력을 갖고 있어 인식이 좋지 않고, 살아있는 예술가들의 무대로 여겨지는 경우도 있다. 협동조합이나 단체의 돈벌이 수단이라는 점 역시 공모 경험이 넉넉하지 않은 이유다. 물론, 콘테스트는 종종 자신의 작품을 발표할 전시 기회가 거의 없는 신인 예술가들의 장 역할을 합니다. 이것은 어떤 사람들에게는 절실히 필요한 기회입니다. 그럼에도 그것이 최선의 선택인지는 의문이다. 같은 생각을 가진 예술가들이 모여 대안 공간, 새로운 공간, 임시 공간에서 열리는 실험적인 전시보다 결코 나을 것은 없습니다. 작가의 경력에는 염두에 두어야 할 사례가 더 많이 있습니다. 삼류 상업 갤러리와 어울리면 삼류 예술가가 된다. 따라서 어느 미술관과 비즈니스 관계를 맺고 있는지는 매우 중요한 고려 사항입니다. 또한, 대중이 신뢰할 수 있는 공간에서 열리는 개인전은 10번의 보잘것없는 전시보다 자신의 경력의 완성도를 높이고, 특별전이라 하더라도 품질이 낮은 작가가 많다면 멀리하는 것이 좋다. 그것으로부터 최대한. 이는 전시를 별도로 선택해야 함을 의미합니다. 아트페어가 넘쳐납니다. 이런 종류의 전시회가 많이 열립니다. 그러나 이는 일반적으로 의미가 없으며 참여가 긍정적인 경력으로 이어지지는 않습니다. 창작 활동의 연속성과 예술가로서의 성취를 원한다면 작품의 질에 대해 생각하는 것도 중요하고, 무엇인가를 제대로 분별하는 안목도 갖는 것이 중요합니다.
메트로 신문, 2024년 6월 13일.
